De-Signing Fashion al PCA di Lucas Maethger, Presidente del nuovo Master. Intervista di RUNWAY RIVISTA. Foto per gentile concessione: Collegio d'Arte di Parigi.

La moda ha raggiunto il suo punto di rottura. Licenziamenti, burnout, cicli di produzione estrattivi e montagne di rifiuti: quasi 92 milioni di tonnellate di rifiuti tessili ogni anno, come sottolineato nel comunicato stampa, hanno messo a nudo un settore incapace di sostenere il ritmo che richiede a chi lo alimenta. Eppure, mentre il sistema si frammenta, la formazione nel campo della moda continua troppo spesso a formare studenti per strutture già collassate sotto il loro stesso peso.

In questo momento di resa dei conti entrano in gioco i Collegio d'Arte di Parigi, introducendo quello che definisce il primo al mondo Master in pratiche critiche della modaInvece di preparare gli studenti a riprodurre i fallimenti di un'industria iper-accelerata, il programma propone qualcosa di molto più urgente: lo smantellamento dei sistemi dominanti della moda e la rivisitazione di ciò di cui questo settore dovrebbe essere responsabile oggi.

Costruito sul principio di "progetto" — la disgregazione strategica di modelli consolidati — questo Master considera la formazione non come un alimentatore per l'industria, ma come il punto di partenza per una trasformazione culturale e strutturale. In altre parole: se la moda deve cambiare, prima deve cambiare la sua pedagogia.

Per comprendere questo cambiamento e le ambizioni che lo sottendono, l'editore di RUNWAY parla con Lucas Maethger, Presidente del nuovo MA, sulla responsabilità, la sostenibilità oltre il greenwashing e il ripensamento radicale necessario per far entrare la moda nella sua prossima era.

Colloquio

Descrivi la moda come un sistema in crisi. Dal tuo punto di vista, qual è il fallimento sistemico più urgente che l'istruzione deve affrontare per primo?

- La crisi che stiamo vivendo è dovuta alla velocità con cui si sta muovendo l'industria della moda. C'è questa spinta costante a offrire ai consumatori sempre di più, solo per stare al passo con le ultime tendenze, e si fa di tutto per stimolare la spesa. Questo contribuisce al consumo eccessivo e all'aumento dell'inquinamento in tutte le sue forme. digital L'epoca in cui viviamo non fa che intensificare questo processo e accelerare ulteriormente i consumi.

Quando parliamo di "responsabilità" nella moda odierna, chi ha fallito più clamorosamente: gli stilisti, le aziende, gli educatori o le istituzioni culturali?

- Credo che le aziende abbiano una grande responsabilità da assumersi. Il modo in cui gestiamo oggi la nostra attività è orientato al profitto estremo e meno alla crescita responsabile a lungo termine. Basti pensare alla frequenza con cui i direttori creativi vengono cambiati in un colosso della moda solo per stare al passo con i nuovi trend sociali. media La comunicazione non è responsabile. Ho iniziato i miei studi alla fine degli anni '90 presso l'Accademia Reale di Belle Arti di Anversa, dove gli Antwerp Six avevano questa straordinaria magia, che è andata perduta negli ultimi anni a causa dei continui cambiamenti. 

Perché ritieni che i precedenti modelli accademici abbiano contribuito attivamente al crollo del settore anziché mitigarlo?

- I modelli accademici si basano spesso sul compiacere l'industria e formare i giovani designer affinché ne soddisfino le esigenze. Io stesso ho lavorato nel campo dell'istruzione per oltre 15 anni in diverse istituzioni in Francia, Stati Uniti e Germania, e ho notato che gli studenti sono spesso formati per seguire, eseguire e soddisfare i requisiti stabiliti dai professori, piuttosto che analizzare criticamente e mettere in discussione il processo.

Credo che ci sia un forte bisogno di mettere in discussione le decisioni degli studenti e di aiutarli a trovare risposte significative. Perché gli studenti studiano moda? Quale contributo vogliono dare e come vogliono farlo?

Il tuo Master si basa sull'idea di "de-sign", ovvero la dissoluzione dei sistemi dominanti. Cosa esattamente deve essere smantellato per primo: i cicli produttivi, le ideologie estetiche, le dipendenze economiche o il mito del genio creativo?

- Sulla base della mia esperienza nel settore della moda – avendo lavorato come Responsabile Design per Calvin Klein Jeans e avendo trascorso più di tre anni in gruppi del fast fashion – vedo la necessità di smantellare prima il sistema esistente. Questo non riguarda solo i cicli di produzione e le dipendenze economiche, ma anche la questione più ampia di cosa significhi la moda oggi e cosa rappresenti.

La moda dovrebbe essere più di un semplice fenomeno o una tendenza in rapida evoluzione; dovrebbe essere un esempio di design mirato. Come designer, guardiamo al futuro: creiamo ciò che verrà dopo. Ecco perché è così importante smantellare prima i sistemi dominanti, per sviluppare un futuro più innovativo e mirato.

Il "de-sign" è un intervento temporaneo o pensi che diventerà un nuovo paradigma per la pratica della moda a livello globale?

- Il "de-sign" dovrebbe essere una pratica globale continua, integrata nel processo di progettazione e capace di plasmare la nostra coscienza. Oggi, l'industria si trova ad affrontare sfide che possono trovare nuove soluzioni e opportunità attraverso il "de-signing". Tra dieci anni, incontreremo diverse issues, e il "de-signing" – l'atto di disfare – può aiutare a scoprire nuove risposte. Attraverso il "de-sign", interrompiamo e disfacciamo i sistemi esistenti in modo da poter esaminare le sfide più a fondo e sviluppare soluzioni migliori e più appropriate.

Lei sottolinea il rifiuto del greenwashing. Quali sono, a suo avviso, i pregiudizi più diffusi che gli studenti continuano a ereditare sulla sostenibilità?

- Oggi gli studenti spesso non prendono molto sul serio la sostenibilità, soprattutto perché il settore stesso non ne dà un esempio concreto. Sebbene la sostenibilità sia spesso discussa e menzionata nell'istruzione, in realtà né le aziende né gli studenti la mettono in pratica in modo coerente.

Tutto inizia con scelte come l'uso di fibre sintetiche e l'intenzionalità alla base del design. Ad esempio, gli studenti a volte etichettano i tessuti in giacenza come "sostenibili", ma in pratica si potrebbe fare molto di più per renderli davvero significativi. Gli studenti possono generare molte idee, ma abbiamo bisogno di azioni concrete, non solo di concetti. Il riscaldamento globale è reale ed è necessaria un'azione urgente, che inizia con decisioni consapevoli e responsabili da parte degli studenti. 

Puoi definire in pratica cosa significa sostenibilità autentica, non nel linguaggio del marketing, ma in termini operativi concreti?

- Nella pratica, dobbiamo prendere decisioni non solo economiche, ma anche sostenibili, spesso più costose. Esaminiamo quali materiali vengono utilizzati, come viene tinto il tessuto e dove e come vengono realizzati i capi, per citare solo alcuni aspetti.

La sostenibilità si estende oltre la catena di fornitura. Solleva anche la questione fondamentale se un capo di abbigliamento sia realmente necessario al consumatore e se abbia uno scopo significativo nella sua vita.

Le scuole di moda tradizionalmente preparano gli studenti al settore. Il tuo programma li prepara a criticarlo. Come ha reagito il settore all'idea che la formazione debba mettere in discussione, non soddisfare, le sue esigenze?

- Sì, è corretto: non prepariamo gli studenti a limitarsi a servire il settore, ma a criticarlo. Questo approccio aiuta i giovani designer a diventare innovatori e promotori del cambiamento. Praticare la critica permette agli studenti di comprendere le sfide in modo approfondito, anziché solo superficiale, cosa sempre più necessaria nel settore.

Essere critici non significa rifiutare il settore; significa sviluppare una consapevolezza che consenta agli studenti di affrontare le sue esigenze in modo più consapevole. Molti ruoli nel settore oggi richiedono pensiero critico e consapevolezza orientata alla ricerca di soluzioni, e questo tipo di formazione prepara gli studenti a eccellere in tali posizioni.

Esiste una resistenza da parte di aziende o istituti tradizionali che potrebbero sentirsi minacciate da laureati formati per interrompere, non per obbedire?

- Sulla base della mia esperienza, che include anche la collaborazione con uno degli Antwerp Six, Dirk Bikkembergs, credo fermamente che rivoluzionare il processo di progettazione sia in realtà vantaggioso per le case di moda storiche, che non si sentono minacciate. La rivoluzione non significa mancanza di rispetto; significa trasformare un settore o un sistema in modo significativo, spesso attraverso nuove idee o tecnologie. Da questa prospettiva, le case di moda e le aziende tendono ad apprezzare sinceramente i laureati che apportano nuovi approcci sia alla pratica che al design.

Credi che l'educazione alla moda sia stata complice del mantenimento di sistemi di sfruttamento o di estrazione? Se sì, in che modo?

- Sì, l'educazione alla moda è stata in una certa misura complice del mantenimento di sistemi di sfruttamento. Molte scuole vendono un "sogno della moda" ai giovani creativi, invece di esporli alla realtà del settore. È qui che inizia il ciclo dello sfruttamento.

Il nostro nuovo Master in Critical Fashion Practices adotta un approccio diverso: è un programma onesto sulle realtà del settore, che offre agli studenti non un sogno, ma la preparazione e la consapevolezza per interagire in modo responsabile nel settore.

Hai detto che i laureati potrebbero costruire sistemi alternativi completamente al di fuori dei modelli tradizionali. Come potrebbero essere questi sistemi?

- Gli studenti creeranno sistemi alternativi che potranno assumere diverse forme, a seconda dell'obiettivo e delle intenzioni della loro ricerca. Ciò potrebbe comportare l'esplorazione di materiali innovativi, la collaborazione con startup, la rivisitazione dei metodi di distribuzione o persino la co-creazione di moda con i consumatori finali, sfidando i concetti di proprietà e mettendo in discussione l'attuale sistema capitalista.

Altre possibilità includono la creazione di catene di fornitura più responsabili, la produzione su richiesta per evitare la sovrapproduzione o la realizzazione di capi il più vicino possibile al consumatore, pensando globalmente ma agendo localmente. Questi nuovi sistemi possono essere di piccola scala ma avere un impatto enorme. Il cielo è il limite. Tuttavia, per sviluppare queste alternative, è essenziale prima esaminare criticamente il sistema tradizionale esistente.

Quali ruoli futuri nel mondo della moda ritieni non debbano più esistere e quali invece debbano essere inventati?

- Non sono qui per togliere posti di lavoro ai professionisti della moda o per dire che certi ruoli dovrebbero scomparire. Piuttosto, mi piacerebbe reinventare nuovi ruoli. Vedo una disconnessione tra ingegneria e progettazione: questi due ambiti dovrebbero essere più strettamente collegati. Forse potremmo inventare nuovi ruoli, come gli "ingegneri creativi", che uniscano design e innovazione tecnica.

Il tuo programma esamina i legami della moda con il capitalismo, la storia coloniale e l'identità. Quale di queste strutture di potere è più resistente al cambiamento e perché?

- Tutti e tre sono profondamente resistenti al cambiamento e sono fortemente interconnessi: ognuno sostiene gli altri e non può esistere in modo isolato. Sono nato a Karl-Marx-Stadt, sotto un regime comunista nell'ex Repubblica Democratica Tedesca, quindi ho sperimentato in prima persona l'opposto del capitalismo. Oggi siamo tutti abituati a queste strutture di potere e spesso rimaniamo nella nostra zona di comfort.

Tuttavia, la situazione globale ci impone di mettere in discussione queste strutture ed esplorare alternative. Uscire dalla zona di comfort richiede impegno, e pochissimi nel settore della moda sono disposti a farlo. Nel mondo occidentale, ci viene insegnato che il nostro modo di fare definisce la "vera moda", spesso ignorando la creatività e le forti identità culturali di altre parti del mondo. Questo, di per sé, è una forma di colonialismo.

Dobbiamo ripensare la nostra prospettiva occidentale e trarre ispirazione dal modo in cui la moda viene creata altrove. Celebrando le diverse identità, culture ed estetiche in tutto il mondo, possiamo iniziare a sconvolgere e reinventare le strutture di potere che dominano la moda oggi.

Come si preparano gli studenti ad affrontare istituzioni storicamente immutabili?

- È una domanda difficile: se le istituzioni sono state storicamente inamovibili, come possiamo iniziare a cambiarle ora? Il modo in cui preparo i miei studenti è insegnando loro a resistere e a sfidare continuamente queste aziende, gettando le basi per il cambiamento futuro. Creare domanda dal lato dei consumatori può guidare direttamente la trasformazione, ma è un processo lungo che richiede perseveranza e azione strategica.

Il burnout creativo è endemico nel mondo della moda. Il problema è psicologico, strutturale o etico?

- Il burnout creativo nella moda ha una forte componente strutturale. Come ho già detto, l'estrema velocità del settore contribuisce direttamente a questa crisi. "De-signing" significa anche "slow design", ovvero prendersi il tempo necessario per creare un'opera in ambienti solidi, etici e responsabili. Promuovendo un approccio più collettivo e prendendoci cura gli uni degli altri, possiamo contribuire a prevenire l'instabilità personale e a ridurre il burnout.

Un programma di Master può davvero proteggere i designer emergenti dal ripetere gli stessi cicli di esaurimento su cui si basa il settore?

- Questa è una preoccupazione che condividiamo tutti, e temo che un programma di Master non possa proteggere completamente i designer emergenti dal ripetersi di questi cicli. Tuttavia, possiamo coltivare la consapevolezza, aiutando i giovani creativi a rallentare, a lavorare con attenzione e a coltivare la propria creatività con passione.

Se questo programma avrà successo, come sarà il settore tra 10 anni? E, viceversa, come sarà il futuro se l'istruzione continuerà a essere invariata?

- Vorrei poter davvero guardare al futuro! Amo la moda e la magia che racchiude in sé fin da quando sono entrata in questo mondo nel 2003, laureandomi alla prestigiosa Accademia di Anversa in Belgio. Credo nel potenziale positivo dell'umanità e sono fiduciosa che questo programma avrà successo. Tra dieci anni, spero di vedere più aziende prendersi cura delle risorse e sviluppare un sistema di moda più circolare. Gli sprechi e la sovrapproduzione dovrebbero essere significativamente ridotti e le catene di approvvigionamento dovrebbero diventare più rispettose nei confronti dei lavoratori e di tutti coloro che contribuiscono alla moda.

Immaginare il futuro della moda con un approccio educativo immutato sembra quasi impossibile. Come per il riscaldamento globale, non possiamo permetterci il lusso dell'inazione: il cambiamento è necessario. Il mio amore per la moda mi spinge a essere un promotore attivo del cambiamento, piuttosto che assistere passivamente al declino del settore.

Credi che la moda così come la conosciamo oggi debba sopravvivere o è giunto il momento di costruire qualcosa di completamente diverso?

- Bene, cosa intendiamo esattamente per "moda"? Stiamo parlando di marchi di fast fashion come Temu o Shine dalla Cina? O del gruppo LVMH? O forse di marchi più piccoli e più responsabili? Il settore è incredibilmente diversificato, quindi è difficile raggruppare tutti i collaboratori e i partecipanti.

Credo che ci siano giovani stilisti underground che dovrebbero assolutamente sopravvivere e avere l'opportunità di crescere. Dovremmo implementare più leggi a livello nazionale ed europeo per prevenire l'abuso delle risorse? Sì. Quindi, dovremmo preservare alcuni aspetti della moda così come la conosciamo, ma dovremmo anche esplorare la possibilità di creare qualcosa di completamente nuovo. Il risultato dipenderà dalle menti innovative della prossima generazione.

Lanciare un programma rivoluzionario a Parigi, epicentro mondiale del lusso, è una dichiarazione d'intenti. In che modo il peso della tradizione parigina plasma o sfida la vostra missione?

- Sì, è una dichiarazione d'intenti e sono molto orgoglioso di avere l'opportunità di lanciarla qui al Paris College of Art. Gli studenti possono vivere in prima persona le tradizioni parigine, condurre studi di caso, analizzare modelli di business e riflettere in modo creativo. Per molti versi, questo ambiente supporta il programma piuttosto che ostacolarlo.

Parigi offre sia l'artigianato secolare che definisce la moda di lusso, sia centri tecnologici innovativi che possiamo esplorare e utilizzare in modi personali e stimolanti. Imparare da questi straordinari specialisti e combinare competenze tradizionali con nuovi approcci è di grande valore per il programma.

Ritieni che Parigi sia parte del problema, parte della soluzione o entrambe le cose?

- Non sono sicuro che si possa ricondurre questa sfida a una sola città. Certo, Parigi ospita importanti gruppi del lusso e, come New York, Londra o Tokyo, presenta aspetti sia positivi che negativi. Non vedo Parigi come parte del problema o della soluzione in senso stretto: la questione è più complessa.

Come chiarisce la conversazione con Lucas Maethger, la domanda che la moda si trova ad affrontare oggi non è più come produrre più velocemente o innovare stilisticamente, ma come ridisegnare le condizioni stesse in cui opera la modaIl Master in Critical Fashion Practices non promette nuove tendenze o spettacoli stagionali; propone nuovi modi di pensare, creare, organizzare e, in definitiva, assumersi la responsabilità per l'impatto culturale e ambientale del settore.

Conclusione

Ciò che emerge da questa conversazione non è semplicemente la bozza di un nuovo programma accademico, ma un riposizionamento filosofico della moda stessa. Attraverso la lente di Lucas Maethger, la crisi che sta attraversando il settore non è un disallineamento temporaneo, ma la conseguenza di un sistema che ha superato la propria logica, accelerando la produzione, esaurendo il lavoro creativo e normalizzando le pratiche estrattive fino a rendere inevitabile il collasso. La sua proposta di progetto mette in discussione le fondamenta stesse su cui è stata costruita la moda contemporanea: la sua velocità, le sue gerarchie, la sua dipendenza dalla novità perpetua e la sua radicata fedeltà alle narrazioni capitaliste occidentali.

In tutta l'intervista, un'idea ricorre con chiarezza: la moda non può trasformarsi in modo significativo finché non disimpara. Disfare non è distruzione, ma metodologia: un modo per smascherare i presupposti, le strutture di potere e le abitudini ereditate che hanno plasmato l'ultimo mezzo secolo della moda globale. In questo contesto, la sostenibilità non è più una strategia di marketing, ma una serie di difficili scelte operative; la formazione non è un canale per soddisfare le aspettative del settore, ma un luogo di resistenza e re-immaginazione; e la creatività diventa una responsabilità, non una merce.

Il Master in Pratiche Critiche della Moda si posiziona a questo punto di incontro tra critica e costruzione. Non promette di proteggere gli studenti dalle pressioni strutturali del mondo in cui si troveranno, né finge che la sola istruzione possa correggere i fallimenti del sistema. Piuttosto, coltiva un nuovo tipo di designer, capace di vedere la moda non solo come un mercato, ma come una forza culturale con implicazioni etiche, ambientali e politiche. Se le sue ambizioni avranno successo, la prossima generazione non si limiterà a ricoprire i ruoli esistenti, ma li ridefinirà, ne inventerà di nuovi e rimodellerà le infrastrutture che sostengono la moda dal basso.

Tra dieci anni, la misura di questo programma non saranno le tendenze prodotte o le collezioni lanciate, ma il grado in cui i suoi laureati avranno modificato le condizioni del futuro della moda, rallentandola dove necessario, affrontandone i punti ciechi, diversificandone le prospettive e insistendo sul significato laddove l'industria ha consentito solo slancio. Se la formazione dovesse continuare invariata, la moda rischia di diventare una reliquia dei propri eccessi; ma attraverso la pratica critica, potrebbe ancora evolversi in un sistema degno del suo potere culturale.

Il compito che ci attende non è né modesto né semplice. Ma come rivela questo dialogo, il processo di progettazione – mettere in discussione, disfare e ricostruire – offre una via da seguire. Il prossimo capitolo della moda, se mai esisterà, dipenderà da stilisti che non siano solo creatori di abiti, ma architetti di nuove possibilità.