Bianco e nero – Storia e valori. Articolo di Guillaumette Duplaix, redattrice di RUNWAY RIVISTA, Custode di Verità Colorate. Foto: RUNWAY Archivio RIVISTE.
Un dibattito sul colore attraverso i secoli
Negli anni '1660 del XNUMX, molte teorie sostenevano che cinque colori fondamentali fossero sufficienti per creare tutti gli altri: nero, bianco, rosso, giallo e blu.
Al tempo, Il bianco e il nero erano ancora considerati colori.
Ma nel 1667, una serie rivoluzionaria di esperimenti da parte di Isaac Newton alterato radicalmente la percezione del colore. Facendo passare la luce solare attraverso un prisma di vetro, Newton osservò la scomposizione della luce bianca in una sequenza fissa di raggi colorati, ciò che chiamò spettro: viola, indaco, blu, verde, giallo, arancione e rosso.
In questa nuova classificazione spettrale, il bianco e nero non erano più inclusi.
Il nero è arrivato ad essere inteso come il totale assenza di luce, e bianco come il somma di tutte le lunghezze d'onda della luce, ma non un colore in sé. La scienza ha quindi bandito il bianco e il nero dal regno dei "veri colori", una credenza che è persistita fino al XIX e XX secolo.
Proprietà scientifiche del bianco e del nero
In sintesi additiva del colore (basato sulla luce), il nero deriva dall'assenza totale di colore. L'esatta "tonalità" del nero restituita dipende dalla capacità tecnica e dal rapporto di contrasto del dispositivo.
In sintesi sottrattiva (a base di pigmenti), il nero può essere ottenuto utilizzando un pigmento che assorbe l'intero spettro visibile oppure combinando pigmenti complementari, come ciano, magenta e giallo, per assorbire tutte le lunghezze d'onda contemporaneamente.
Il bianco, d'altra parte, è un campo cromatico Percepito come luminoso ma privo di qualsiasi tonalità dominante, emerge dalla combinazione equilibrata di tutta la luce visibile. Secondo gli esperimenti di Newton – e riecheggiati nelle teorie di Goethe – il bianco è il contrappunto visivo del nero, non un colore a sé stante.
Lo stesso Leonardo da Vinci considerava il bianco un'assenza di colore.
Bianco e nero nella stampa: CMYK
Nella stampa professionale, il Modello CMYK (Ciano, Magenta, Giallo, Chiaro/Nero) viene utilizzato al posto di RGB. Qui, il nero è codificato come:
- C30, M30, Y30, K100 — ideale per un nero intenso e profondo.
- Il nero predefinito (solo K100) spesso risulta opaco e grigiastro su ampie aree.
I professionisti della stampa possono consigliare diverse formule per intensificare la profondità del nero. Ad esempio, un "nero ricco" ben bilanciato può includere il 30% di ciascun colore primario più il 100% di nero. D'altra parte, il bianco in CMYK è C0, M0, Y0, K0—letteralmente niente inchiostro.
Bianco e nero: l'universo Pantone
Per quanto sorprendente possa essere, Pantone produce guide dedicate per il bianco e nero. Offrono variazioni precise utilizzate nella moda, nel design e branding.
| Colore | Hex | RGB | HSL | LABORATORIO | CMYK |
|---|---|---|---|---|---|
| Nero | #000000 | 0, 0, 0 | 0°, 0%, 0% | 0, 0, 0 | 30, 30, 30, 100 |
| Bianco | # FFFFFF | 255, 255, 255 | 0°, 0%, 100% | 100, 0, 0 | 0, 0, 0, 0 |
Ma in realtà nessun pigmento o schermo crea mai un perfetta nero. Il nero più profondo mai progettato si chiama vantablack—sviluppato in 2012 da nanotubi di carbonio allineati verticalmente, assorbendo di luce.
Percezione e paura: l'alienazione del colore
La Francia, in particolare, soffre da tempo di un sottile trauma nel suo rapporto con il colore.
A livello nazionale, la comunicazione si basa fortemente su blu, bianco e neroIl blu, pur simboleggiando l'ottimismo, ha iniziato, a causa dell'abuso, a evocare malinconia. Il bianco è spesso frainteso come purezza. Il nero è equiparato a formalità o elitarismo. Ma cosa succede quando si ha paura del colore stesso?
Questa paura ha un nome: cromofobia—l'avversione irrazionale al colore.
Fin dall'antichità, la cultura occidentale ha visto periodici sforzi per eliminare il colore dall'arte, dall'architettura e persino dalla letteraturaSpesso considerato volgare, infantile o superficiale, il colore veniva relegato ai margini.
Alcune tonalità di bianco nel design non ispirano più pace: incutono sterilità, evocano repulsione. Non è un'assenza di colore, ma uno sbiancamento aggressivo.bianco come la cancellazione.
Resistenza filosofica: da Melville a Goethe
In alcuni circoli, il bianco e il nero sono venerati come valori stabili e "nobili", mentre il colore è condannato come dirompente o femminile. Pensatori come Charles Blanc (dal nome ironico) sosteneva che il colore minacciasse la purezza dell'arte. Nelle sue parole:
“La pittura andrà perduta a causa del colore, proprio come l’umanità è andata perduta per Eva.”
Per lui, il colore era una distrazione sensuale. Il disegno – strutturato, maschile, elevato – doveva dominare.
Goethe, nel suo XIX secolo Teoria dei colori, ha scritto:
“Le nazioni selvagge, la gente ignorante e i bambini hanno una grande predilezione per i colori vivaci… mentre la gente colta li evita.”
Il colore era relegato alle forme inferiori della natura: fiori, minerali, animali. Per i pensatori illuministi, il colore era una tentazione; il disegno era virtù.
La sfiducia nel colore: Charles Blanc, Rousseau e l'eredità della cromofobia
Charles Blanc, rinomato teorico del colore del XIX secolo, scrisse verso la fine della sua vita:
“L'unione di disegno e colore è essenziale per creare la pittura, ma il disegno deve mantenere la sua supremazia sul colore. Altrimenti, la pittura è destinata a perire. Sarà perduta a favore del colore, proprio come l'umanità è perduta a favore di Eva.”
Una vivida reazione nata dalla fobia. Per Blanc, il colore era un minaccia interna permanente—un corpo estraneo che, se non domato, porterebbe alla crollo di tutta la cultura.
Per menti come la sua, il colore portava connotazioni dell' femminile, l' primitivo, l' irrazionale. Non era visto come un'elevazione, ma degenerazione—una discesa sensuale nel caos.
Ha spiegato ulteriormente:
Gli esseri intelligenti parlano un linguaggio fatto di suoni. Gli esseri viventi – animali e piante – si esprimono attraverso forme e contorni. Ma la natura inanimata parla attraverso il colore. Una pietra, ad esempio, ci dice: "Sono uno smeraldo".
In altre parole, il colore appartiene all'ordine inferiore della natura. Man mano che si sale la scala intellettuale, il disegno diventa il mezzo di espressione superiore.
“Sembra che l’eterno colorista fosse meno geloso del suo segreto rispetto all’eterno disegnatore, poiché ci ha rivelato l’ideale del colore attraverso l’arcobaleno, dove intravediamo, in una dissolvenza perfetta, i toni madri che generano l’armonia universale.”
Ma attenzione, avverte Blanc: il il gusto per il colore esige sacrificio, devia lo spirito dal suo giusto cammino, e divora la menteIl colore può farti perdere la testa, mentre il disegno, al contrario, eleva l'anima.
Dalla sua teoria emerge una conclusione netta:
Il colore è secondario e pericoloso.
Il filosofo illuminista Jean-Jacques Rousseau ha rafforzato questa paura nei suoi scritti:
"I bei colori deliziano la vista, ma questo piacere è puramente sensoriale. Togli le linee da un dipinto e i colori non faranno nulla."
Allo stesso modo, Goethe Teoria dei colori (XIX secolo) riecheggia un sorprendente pregiudizio culturale:
“È necessario notare che le nazioni selvagge, le persone incolte e i bambini hanno una forte predilezione per i colori vivaci; che gli animali si infuriano per certe tonalità; e che gli individui colti evitano i colori vivaci sia nei loro vestiti che nell'ambiente circostante, facendo ogni sforzo per proteggersi da tali visioni.”
paura della corruzione o della contaminazione attraverso il colore ha perseguitato la civiltà occidentale fin dall'antichità. Questa cromofobia – velata dalla teoria, ammantata dalla ragione – rivela un profondo disagio culturale nei confronti dell'autonomia, dell'intensità e dell'attrazione emotiva del colore.
Il bianco e nero nelle belle arti
Pierre Soulages, un pittore francese moderno, ha dedicato la sua vita a ciò che lui chiamava outrenoir—“oltre il nero.”
“Il mio strumento non era più il nero in sé, ma la luce secreta dal nero.”
Le sue opere rifrangevano la luce ambientale su superfici nere strutturate, trasformando il nero in un partecipante attivo nella percezione.
Kazimir Malevich, pioniere russo della Suprematismo, ha creato il primo vero monocromo dell'arte contemporanea: Bianco su biancoUtilizzando due tonalità distinte – un bluastro freddo per il quadrato, un ocra caldo per lo sfondo – ha dipinto l'assenza, il paradosso e l'elevazione spirituale. L'opera è conservata al MoMA di New York.
Comunicazione: il mito del bianco e nero pulito
Non mancano libri di marketing e guide di comunicazione che si avventurano nel territorio spesso pericoloso della descrizione Nero, bianca, o la loro combinazione. Ma pochi lo affrontano con precisione, sfumature o intuizione culturale.
Il mito del bianco: purezza, perfezione… o equivoco?
Pensa che il bianco simboleggia purezza or perfezione? Pensa di nuovo.
Il bianco non è un colore intrinsecamente positivo né universalmente adatto.
Non è neutrale. E di certo non "si abbina a tutto".
I professionisti del marketing spesso suggeriscono che il bianco implichi pulizia, chiarezza, o sterilitàDa qui il suo frequente utilizzo in branding Per prodotti per la pulizia, catene di ottica, strutture mediche e settori farmaceutici, il bianco è diventato il colore di riferimento per codici visivi che evocano salute, ordine o igiene.
Ma per fortuna, questi vecchi cliché stanno iniziando a svanire. Oggi, il bianco è raramente lasciato solo. È sempre più abbinato a colori complementari, attenuati con gradienti o utilizzati in contrasto con altri toni per evitare la monotonia clinica.
Quindi sì, puoi comunicare usando il bianco, ma per favore abbandonate i miti.
Usalo con saggezza, con equilibrio e soprattutto: non imporre vincoli dove non esistono. L’occhio moderno è addestrato a interpretare il colore come un codice e il bianco senza contesto non è più un'opzione predefinita per l'eleganza o la semplicitàPuò suggerire con altrettanta facilità assenza, distanza o freddezza.
Il potere strategico del nero
Resti neri immensamente popolare, soprattutto tra i marchi che cercano un senza tempo, sofisticato posizionamento. Nella moda in particolare, il nero è spesso sinonimo di lusso, discrezione e autoritàNon è un caso che così tante etichette si vestano di nero per indicare esclusività.
Ma lasciatemi condividere un segreto commerciale:
Il nero non è solo simbolico: è pratico.
permette riproduzione sicura di loghi, documenti o immagini di marchi su qualsiasi piattaforma. Fornisce un'eccellente leggibilità per il testo, migliora contrasto per le illustrazioni e offre la versatilità necessaria quando non si ha a disposizione un esperto di stampa. Nel mondo della moda, dove la conoscenza tecnica della stampa è spesso limitata,il nero è la via più sicura, in particolare per motivi fisici media e imballaggi.
Il bianco e il nero non sono intrinsecamente buoni o cattivi: sono estremoE per utilizzarli in modo efficace, devi ancorarli al linguaggio del tuo marchio: il tuo Colori, Il vostro style, Il vostro firmaRitmo, gerarchia e tensione visiva vengono creati attraverso l'interazione, non attraverso l'isolamento.
La vera sfida: cultura, simbolismo e passi falsi
vera difficoltà dell'uso del bianco e nero nella comunicazione non risiede nel design, ma in significato culturale.
Prendiamo il bianco:
Nei paesi occidentali come Europa o Stati Uniti, usare il bianco può sembrare privo di rischi. Ma immagina di creare una campagna di comunicazione per Paesi islamici?
Nell'Islam, il bianco viene indossato durante la pellegrinaggio sacro alla Mecca—un contesto profondamente spirituale e sacro. Qualsiasi uso del bianco deve essere infuso di rispetto e consapevolezza culturale.
In Cina, il bianco è associato a lutto e la morte.
In alcune parti di Asia e culture slave, il bianco significa anche rituali funerari.
In Antico Egitto, il bianco simboleggiava l'aldilà.
In Tradizioni africane, per rappresentare i defunti si usano maschere bianche.
E questi sono solo alcuni esempi.
Quindi, mentre in Occidente il bianco può essere commercializzato come "puro", in altre regioni può evocare tristezza, perdita o trascendenza. Non dare mai per scontato che il bianco sia neutro.
Ora, il nero potrebbe sembrare più semplice, ma attenzione.
L'uso incontrollato o sconsiderato del nero può risultare noioso, freddo o opprimente.
Se non viene padroneggiato, il nero diventa pesante—negativo piuttosto che nobile, rigido piuttosto che raffinato.
Un invito alla competenza culturale
In bianco e nero non può essere usati arbitrariamente. Richiedono un educazione culturale precisa per ogni regione, pubblico e contesto.
Se non riesci a capirlo, la tua comunicazione rischia di fallire o, peggio, di causare reato, confusione, o non pertinenza.
Quindi la prossima volta che sceglierai il nero o il bianco nella tua tavolozza, chiediti non solo come appare, ma cosa è si intende.
Perché nella comunicazione globale, l'intenzione senza la comprensione non è nulla.
Il bianco e nero nel cinema
Dall'invenzione del cinema fino agli anni '1950, i film venivano girati quasi esclusivamente in bianco e neroNon si trattava semplicemente di una scelta estetica: era la norma tecnologica.
In 1928, la società americana Technicolor ha rivoluzionato la cinematografia sviluppando un processo di ripresa pancromatica a tre strisceCiò comportava la sovrapposizione di tre bobine di pellicola in bianco e nero all'interno di una macchina fotografica a obiettivo singolo, ciascuna delle quali catturava una gamma diversa di lunghezze d'onda della luce attraverso filtri tricromaticiQuesto metodo rivoluzionario ha permesso di creare immagini dai colori vivaci e stabili.
Poco dopo, Walt Disney ha firmato un contratto esclusivo di cinque anni con Technicolor. In 1932, ha pubblicato il primo cortometraggio animato a colori: “Fiori e alberi” dal Silly Symphonies serie, una pietra miliare che ha aperto le porte all'animazione a colori.
By 1939, il colore era entrato nella cultura dominante. Il mago di Oz sfruttò notoriamente un passaggio drammatico dal bianco e nero seppia al Technicolor, segnando visivamente la transizione del protagonista dalla realtà alla fantasia. Non era solo un trucco visivo, era un espediente narrativo.
Tuttavia, anche se il colore è diventato più accessibile, alcuni registi intenzionalmente riportato al bianco e nero, usandolo non per necessità, ma per impatto artistico.
Per esempio, Alfred Hitchcock ha scelto di filmare Psycho (1960) in bianco e nero. Il suo ragionamento era preciso: la famigerata scena della doccia del film, con i suoi schizzi di sangue, sarebbe stata troppo grafico, persino grottesco, a colori. Il bianco e nero attenuava l'orrore, sostituendo il sangue con la tensione psicologica. Serviva all'atmosfera che intendeva...misterioso, agghiacciante ed emotivamente claustrofobico.
Steven Spielberg, decenni dopo, fece una scelta simile. Dichiarò che era impossibile ritrarre l'orrore dell'Olocausto a colori. Così, la lista di Schindler (1993) è stato girato interamente in bianco e nero. Il risultato è stato crudo, riverente ed emotivamente implacabile:un'elegia visiva piuttosto che uno spettacolo.
In 2011, il film francese L'Artista—un omaggio muto, in bianco e nero alla Hollywood dei primi anni—ha vinto oltre 100 premi in tutto il mondo, tra cui tre Golden Globe, sette BAFTA, sei César, un Goya e cinque Academy AwardsUn'opera contemporanea che ha osato guardare al passato e, così facendo, ha fatto progredire il mondo.
Naturalmente, questi sono solo alcuni pochi capolavori iconiciLa storia del cinema in bianco e nero è vasta, articolata e duratura: un archivio di ombre che continuano a plasmare il linguaggio della luce.
Fotografia e il linguaggio del bianco e nero
Nella fotografia, il bianco e nero non è semplicemente una mancanza di colore, è una traduzione deliberata in sfumature di grigioL'interazione di luce e contrasto diventa fondamentale. Ogni sfumatura, ogni ombra, ogni luce diventa parte della storia raccontata senza tonalità.
Agli albori della fotografia, la pellicola era progettata esclusivamente per uso in bianco e nero, realizzate con emulsioni specifiche pensate per temi fotografici precisi. Ogni tipo di pellicola aveva un comportamento distinto a seconda dell'illuminazione, del soggetto e dell'intento del fotografo.
Una caratteristica fondamentale di ogni film è la sua sensibilità alla luce, misurato in ISO (Organizzazione Internazionale per la Normazione) valori.
Per la pellicola in bianco e nero, l'ISO varia in genere da da 25 a 3200:
- Valori ISO più bassi (ad esempio 25 o 50) richiedono più luce e producono dettagli ultrafini con una grana quasi invisibile.
- Valori ISO più alti (ad esempio, 1600 o 3200) consentono di scattare in condizioni di scarsa illuminazione ma comportano grana più grossolana, conferendo all'immagine un'estetica più strutturata e grezza.
Il processo inizia con il cattura: l'esposizione della pellicola alla luce attraverso l'obiettivo della fotocameraQuesta è la prima fase della fotografia analogica in bianco e nero. Una volta esposta, la pellicola deve essere sottoposta a sviluppo, durante il quale viene trattato con bagni chimici che renderlo insensibile alla luce e rivelare l'immagine.
Il risultato è a negativo.: un'immagine invertita in cui le aree chiare appaiono scure e le aree scure appaiono chiare. Questo negativo viene poi utilizzato per creare l'immagine finale stampa fotografica.
Sia durante la cattura che durante la stampa, i fotografi spesso utilizzano filtri per manipolare il contrasto e l'equilibrio tonale.
- Al momento dell'esposizione, i filtri colorati (in genere giallo, arancione o rosso) possono scurire il cielo, esaltare i toni della pelle o separare toni simili.
- Se non è stato utilizzato alcun filtro durante le riprese, possono essere applicati durante il processo di stampa anziché.
In tal caso, il negativo viene proiettato con luce controllata su carta fotosensibileLa luce passa attraverso una serie di filtri di contrasto, influenzando il modo in cui la carta reagisce. Questi gradi di contrasto in genere vanno da 0 (contrasto morbido) a 5 (contrasto forte), in incrementi di mezzo grado.
Questa danza tecnica tra emulsione, luce, carta e filtro crea la dimensione ricca e scultorea che associamo a magistrale fotografia in bianco e nero.
Non sorprende quindi che molti dei più grandi fotografi di moda abbiano costruito la loro eredità sul bianco e nero:
- Lee Miller, i cui ritratti catturano sia il glamour che la guerra.
- Richard Avedon, che scolpiva le personalità attraverso la luce e l'ombra.
- Helmut Newton, con il suo provocatorio chiaroscuro.
- Peter Lindbergh, che ha ridotto la moda al suo nucleo emotivo più profondo.
- Irving Penn, la cui lente celebrava la forma, il gesto e la purezza.
Le loro opere non sono semplicemente immagini: sono architetture di tono, plasmato dall'uso meticoloso della luce, della grana, del contrasto e del silenzio.
Per approfondire la conoscenza di questi maestri della fotografia di moda, ti invito a leggere il mio articolo:
Fotografi che hanno plasmato la moda – RUNWAY MAGAZINE
La moda e l'eredità monocromatica
Nella moda, il mondo di monocromatico è stata a lungo dominata dal dialogo senza tempo tra in bianco e neroQuesta dualità ha trovato concreta espressione attraverso alcuni dei nomi più iconici della storia dell'alta moda.
Era Christian Dior che ha contribuito a formalizzare questo linguaggio estetico. Pur essendo noto per il suo delicato senso di femminilità romantica, ha anche esplorato il netto contrasto tra bianco e nero, prima di affinare la sua tavolozza verso le sue leggendarie tonalità di grigio: Grigio Trianon e Montaigne grigio—toni che ancora oggi definiscono l'identità della maison Dior.
Ma era Coco Chanel che ha immortalato il bianco e nero come un codice eterno di eleganza.
Per Chanel il nero era essenziale: la cornice perfetta per evidenziare ed esaltare il bianco. Non vedeva i due come opposti, ma come complementi necessari, ciascuno incompleto senza l'altro.
Il colore, quando introdotto, è arrivato in dosi attentamente misurate, attraverso accessori, gioielli o accenti, senza mai sopraffare il dialogo tra luce e ombra. Il suo contributo all'eleganza moderna è stato a dir poco rivoluzionario: il vestitino nero, oggi simbolo mondiale di sobria raffinatezza, è una sua creazione.
Dal metà 1960s, Andrè Courrèges ha portato alla ribalta un minimalismo futuristico. I suoi progetti presentavano sorprendenti costruzioni geometriche costituito da fasce nere alternate a pannelli bianchi nitidi, che trasformano la moda in architettura modernista.
E naturalmente, Yves Saint Laurent, eterno maestro della poesia visiva, maneggiava il bianco e nero con assoluto controllo. Che si trattasse di smoking dal taglio impeccabile o di contrasti audaci nei suoi abiti da sera, assicurava che il monocromo non fosse mai noioso, mai passivo. Sotto la sua mano, diventava un linguaggio di potere, seduzione e chiarezza.
Questi designer non hanno utilizzato solo il bianco e il nero.
Essi installato nel DNA visivo della moda.
Ogni esempio conferma che il bianco e il nero non sono tendenze, sono dichiarazioni, strutture, filosofie dell'abbigliamentoDall'alta moda al prêt-à-porter, dalla ribellione alla raffinatezza, il bianco e il nero restano pilastri incontrastati dello stile.
Conclusione
Il bianco e il nero non sono colori, sono percezioni, NON i “colori”.
Sono polarità cromatiche che plasmano la nostra vita emotiva, artistica e culturale. Alimentano il design, alimentano il simbolismo e provocano reazioni.
Il bianco e il nero saranno sempre presenti nelle nostre vite, occupando per alcuni un posto speciale e privilegiato, per altri un posto simbolico, all'interno della vasta tavolozza di colori e sfumature.
Una cosa è certa:
Il bianco e nero non ti lascerà mai indifferente.
Guillaumette Duplaix, redattrice di RUNWAY RIVISTA, Custode di Verità Colorate
